el proceso artistico

El proceso del arte

RESUMEN:

 Todos los estudios que se han realizado sobre el proceso artístico no le ha servido de mucho a los creadores de arte ya que los estudios realizados han sido de obras ya realizadas y con diferente contenido intelectual o de otra época y por eso este articulo se enfoca al proceso que debe de tomar para poder mejorar o crear arte  desde el punto de vista científico.

Ayudados de una cronología se explica lo que es el proceso del arte o también para poder mejorarla. Consiste de los siguientes pasos de la teoría normativa

1. Definir el punto de vista
2. El definir y análisis de metas.
3. probar la validez de teorías
4. Actualizar las "reglas que no fallan"
5.  Escoger y comentar ejemplares

Más adelante se analizaran cada uno de estos pasos y El desarrollo artístico proyecto-específico.

                                                          

Para entender el proceso del arte primero hay que entender lo que es el arte.

El concepto de arte ha variado con el paso del tiempo no existe un acuerdo entre filósofos, historiadores o artistas. El arte (del latín ars) engloba todas las creaciones realizadas por el hombre que se pueden apreciar con cualquiera de los 5 sentidos acerca de lo real y de lo imaginario. Mediante diferentes recursos tangibles, permite transmitir ideas, emociones, sentimientos, ideologías, valores, (percepciones y sensaciones). Va dirigido directamente  a la materia gris además de que es un puente entre el mundo real  y el mundo de las ideas. También es componente de la cultura y releja en su entendimiento además de ideas también hechos históricos, económicos, sociales etc.

La filosofía tiene un punto de vista muy diferente al de la ciencia. Sobre lo que es el arte

Para Platón (428ª.c.-347a.c.) es una imitación, el artista copia lo que se percibe por lo tanto está alejado dos veces de la realidad.

“Para él es  considerado según su naturaleza como una representación aparencial de-imitación o mimesis en segundo grado del mundo fenoménico- sensible –el cual a su vez, es considerado como imitación del mundo real o ideal o formas trascendentes. Se establecen de esta manera tres realidades de diferente orden como son la realidad ideal, la sensible y la artística”

 Las artes según Aristóteles (384a.c.-322a.c.), o bien contemplan lo que la naturaleza no ha terminado, o bien la imitan. El arte perfecciona y acaba lo que la naturaleza no puede acabar e imita a la misma naturaleza. No entendía la mimesis como una copia literal de la naturaleza, sino que en el artista se encontraba la representación mental del fin al que se encamina el proceso artístico.

 

El más importante de todos en dar esta definición es de Imannuel Kant (1724-1804).El decía que el arte es una actividad del espíritu ya que el resultado procede de la imaginación, según Kant la naturaleza funciona a través de unas reglas, siguiendo un itinerario, al igual que lo hace un artista a la hora de producir una obra: sigue un itinerario. Pero de este itinerario no es consciente el creador, ya que un creador no puede explicar por qué ni cómo hace lo que hace; a diferencia de un técnico o un científico sí pueden hacerlo. La naturalidad a la hora de realizar algo no supone un esfuerzo para la atención. Quien realiza algo de manera natural no piensa ni es consciente de seguir unas reglas, de manera que todo aquel que es consciente de seguir unas reglas no actúa de forma natural. Un genio, es aquel que sigue una regla sin conciencia. Un genio tiene la facultad de crear, mientras que la capacidad de juzgar queda en manos del gusto. El artista no sigue unas reglas sino que éstas van surgiendo a medida que progresa la obra. Una obra genial, es fruto de la libertad, la idiosincrasia y en ella no hay nada casual. Kant, hace referencia al genio como alguien que obra de forma natural; la naturaleza se abre con facilidad y sigue unas reglas de las cuales tampoco ella es consciente.  Por otra parte, en la ciencia se siguen una serie pasos que se estudian con la finalidad de asimilar unas reglas. Así por ejemplo, si estudiásemos las reglas de Newton podríamos llegar a ser como él; mientras que un artista, no se puede copiar, no se puede llegar a ser jamás como él, porque la copia de una de sus obras representaría simplemente una obra artesanal y no artística. De manera que el concepto de genio funciona solo para las bellas artes. El operar de manera artística, es operar de manera natural. De esta manera el artista ignora por qué hace lo que hace, y por ello, si logra realizar una obra magnífica, aunque intente seguir unas reglas no lo podrá hacer y no conseguirá realizar otra obra de la misma magnificencia

http://www.monografias.com/trabajos19/platon-belleza/platon-belleza.shtml

Ahora que queda claro lo que es el arte veremos lo que es el proceso artístico.

“Primero analizaremos la teoría normativa que es:

Explicando esto la teoría normativa es el deseo de mejorar actividades y productos. Para los productos, la teoría normativa a menudo se llama teoría del diseño. Esta teoría normativa utiliza como punto de partida una teoría descriptiva del mismo tema, tal como estética y semiótica. Las propiedades que esperamos de una obra de arte difieren en muchos respectos de lo que esperamos de productos industriales, pero hay también temas comunes, especialmente en las teorías de la belleza y del mensaje. Pero ahí que diferenciar un artista de un artesano, el artesano es aquel que puede recrear una obra varias veces y un artista solo puede realizar una obra maestra. Aunque el acercamiento de la teoría normativa es semejante para los artes y para la tecnología, el formato de presentación está diferente. La teoría del diseño tecnológica contiene sobre todo modelos, estándares y algoritmos exactos que alcanzan inmediatamente las características deseadas en el producto, tal como usabilidad, economía o seguridad, por ejemplo. Tales instrucciones y cálculos racionales serían inútiles en la creación de obras de arte, que en lugar usa una maduración de ideas lenta, subconsciente e intuitiva. La verdad es que hay algunas "reglas que no fallan" que los artistas magistrales siempre han enseñado a sus alumnos. Estas reglas conciernen, por ejemplo, el equilibrio, ritmo, repetición y variación de elementos, colocación del elemento dominante, proporciones, armonía, contraste o tensión dramática. Estas fórmulas no están destinadas para ser leyes irrompibles - al contrario, la marca de un gran amo es la capacidad de romper reglas convencionales - pero de todos modos son una colección de recomendaciones probadas, conveniente ser entregado a la generación siguiente artistas, y ellas desempeñan así mucho el mismo papel que la teoría tiene en una rama de la ciencia.

 Las "reglas que no fallan" o las recomendaciones artísticas raramente se formulan muy exactamente, al contrario ellas existen a menudo en forma tácita. La razón es que la regla es a menudo complicada, ella puede incluir excepciones innumerables, el maestro que sabe a la regla está incapaz o no dispuesto anotarlo, y un investigador que viene de exterior no entiende completamente la materia. Por estas razones el número de reglas teóricas escritas en cualquier rama del arte es generalmente pequeño. En lugar, la teoría normativa para los artes funciona sobre todo con los ejemplares, es decir obras de arte anteriores importantes, comentados por los expertos desde punto de vista contemporáneo.

Los proyectos de investigación que tienen como objetivo el desarrollar teoría normativa para el arte, pudieron utilizar, entre los métodos descriptivos usuales, las operaciones siguientes.

1. Definir el punto de vista. Porque el punto de partida de un estudio normativo general es siempre un problema práctico sentía más o menos extensamente o una opinión general que algo debe ser mejorado, sigue que el problema existe sólo como visto de alguien punto de vista. Podría ser el gobierno, un fabricante grande, un grupo del gran público, un grupo de artistas, o apenas el grupo de investigadores mismos. En cualquier caso, es esencial que el investigador delimite a este grupo de gente.

2. El definir y análisis de metas. ¿Cuál es incorrecto en la situación actual, o qué podría ser mejorado en obras de arte anteriores? Ésta es una pregunta que se debe hacer de la gente que fue definida en la etapa inicial del proyecto. Los métodos estándares de entrevista descriptiva y de cuestionario se pueden utilizar aquí.

3. Para probar la validez de teorías que (anterior) se han presentado en el campo de la estética descriptiva, es posible hacer una serie de variantes de una obra de arte. Los métodos posibles se enumeran bajo título: Belleza de los productos: Métodos de investigación y igualmente en Semiótica de los productos: Métodos de investigación.

4. Actualizar las "reglas que no fallan" de maestros viejos. Los métodos mencionados arriba se pueden utilizar.

5. Escoger y comentar ejemplares. Ejemplares, es decir obras celebradas de arte anterior sirven en la teoría artística a menudo el mismo propósito que modelos conceptuales hacen en teoría del diseño tecnológica: pueden ser utilizados como puntos de partida en el diseño del nuevo trabajo.

Sin embargo, los ejemplares antiguos se pueden utilizar por los artistas de hoy solamente si los ejemplares primero se han puesto al día, en otras palabras ellos tienen que ser escogidos y complementados con comentarios expertos hechos del punto de vista contemporáneo del grupo de interés que se definió arriba en artículo 1. Al valorar un ejemplar, quizás sea útil preguntar también las opiniones de artistas profesionales en el campo pertinente, especialmente acerca de detalles en las obras de arte, y acerca de la habilidad de la creación. Además, hay los críticos profesionales cuya opinión quizás valga reunir, véase La crítica pública.

Para recoger las opiniones de los varios grupos de interés, los métodos normales de interrogación o la respuesta y crítica se pueden utilizar. Para la tarea de comentar los ejemplares, vale el notar también del estilo usual de los arquitectos finlandeses: dando una conferencia demuestran dos diapositivas paralelos de dos edificios levemente diferentes y explican verbalmente las diferencias en teoría y en la ejecución. De esta manera, es más fácil notar incluso diferencias leves que serían difíciles de explicar en palabras.”

Desarrollo científico de una obra de arte

El desarrollo artístico proyecto-específico pretende asistir a la creación de una sola obra de arte (o una serie de ellas) y es realizada generalmente por el artista mismo.

En la investigación normativa del arte, un modelo frecuentemente aplicado puede verse aquí a la derecha. Incluye el concepto de "respuesta" o "retroalimentación" (feedback), tomado de la teoría de la cibernética, que es un factor importante en la creación de las obras de arte - y de los productos en general - y que aparece aqui en la forma de crítica. La figura ha sido tomada, ligeramente modificada, de Herbert Franke.

Investigación en una escala pequeña ha pertenecido siempre al proceso artístico normal de la creación. "Pertenece a la tradición de los artes pictóricas que los artistas desean teorizar, analizar y manifestar sus pensamientos concerniendo los paradigmas de la tradición artística, la filosofía y los problemas de la presentación" escribe Kiljunen (2001, 20). Los artistas desean analizar sus creaciones verbalmente, escribe entre otros Kantokorpi (2001, 113 y 121): las discusiones entre los artistas contienen más y más referencias a la investigación, y en cada exposición de arte usted puede encontrar "una hoja A4, donde el artista o su amigo más perito en la escritura nos dice cuál está todo ésta. El arte está expresada con palabras más que siempre."

Si los artistas desean investigar, es porque saben que puede ser fructuoso como un preparativo para su trabajo creativo. Parece creíble que un uso intensivo de investigación y teoría tendrá como resultado obras de arte mejores, igualmente como investigación se utiliza hoy en casi todo desarrollo acertado de productos industriales.

Al lado de facilitar el trabajo creativo del artista y de mejorar sus resultados, una investigación artística publicada puede probablemente ayudar a otros artistas en el campo. Cuando un artista excepcional refleja en sus métodos de trabajo y los documenta, artistas posteriores tendrán la posibilidad de aprender las estrategias de acción, las adoptar e mejorar aún más (Scrivener, 42).

Se ha observado a menudo que el progreso en la ciencia depende de la difusión eficaz y de la crítica colectiva de los resultados de la investigación y de la nueva teoría. La misma estrategia de aprender y crítica mutuos ha funcionado siempre en los artes, aunque los criterios de la evaluación y los procedimientos prácticos son diferentes. Se parece razonable seguir principios similares de la publicación y de la crítica en el campo de la investigación artística, también. El Consejo de Subvención del Educación Superior de Inglaterra [Higher Education Funding Council of England] ciertamente apunta a la dirección correcta al recomendar que "la práctica profesional en arte y diseño califica como investigación cuando se situa firmemente dentro de un contexto de investigación, es susceptible a interrogación y a la revisión crítica, y afecta e influencia el trabajo, el modo de actuar y la práctica de colegas" (citado desde Scrivener, 33).

Scrivener utiliza el nombre de la "producción creadora" para los proyectos de investigación (especialmente los doctorales) que incluyen creación de artefactos. Él propone la estructura básica siguiente para estos proyectos (p. 38, abreviado levemente):

• Antes del proyecto reflexión sobre la práctica normal de crear estos artefactos, incluyendo la identificación de asuntos, de preocupaciones y de intereses para se estudiar en el proyecto.
• Revisión de la teoría, del conocimiento e información relevante a los asuntos, preocupaciones e intereses identificados. El reviso posible de éstos últimos.
• Unos ciclos iterativos que comprenden la producción del artefacto, la reflexión y la revisión posible de asuntos, preocupaciones e intereses, y posiblemente búsqueda para la teoría y el conocimiento nuevos.
• Después del proyecto reflexión sobre el proyecto en su totalidad.

Sin embargo, un artista que desea basar su trabajo en la investigación a menudo nota que es difícil encontrar métodos convenientes, especialmente normativos que se podría aplicar directamente a la nueva producción. Métodos y hallazgos descriptivos, referentes a varias cuestiones del arte, serían fáciles de encontrar, pero son rara vez directamente útiles para este propósito, como observamos arriba.

La metodología del desarrollo de productos industriales contiene un arsenal muy grande de métodos de la investigación normativos y proyecto-específicos. Un artista quizás considere adoptar algunos de estos procedimientos, aunque es posible que algunos de ellos necesitaran una cierta simplificación para los propósitos de un artista solitario.

En el siguiente se enumeran tales operaciones típicas de la creación artística que podrían incluir procedimientos en el estilo del estudio científico o desarrollo de productos industriales.

1. Definir al público previsto. Una obra de arte será a veces fabricada para un cliente, e.g. para el dueño del lugar donde el trabajo será puesto. De otro modo, es posible que haya un segmento del gran público a que el artista piense dirigir su trabajo. En cualquier caso será útil definir al público futuro e intentar descubrir sus expectativas. Los procedimientos apropiados en el desarrollo de productos se explican bajo título Definición de la clientela-objetivo. Hay también una discusión más general del asunto en la página Delimitar el estudio.

2. Definir las metas para la obra de arte puede facilitar el satisfacer de ellas: es más fácil de hacer progreso, si usted primero decide donde usted desea ir. La meta podría estar, por ejemplo, dar un mensaje simbólico al público, o lograr entre el público un cierto efecto, tal como una impresión estética de belleza. Para fijar blancos a un producto industrial hay métodos especiales, explicados bajo Diseño estratégico, pero éstos son arduos porque los proyectos industriales tienen a menudo muchas blancos contrastantes.

3. Para la composición o del motivo de la obra de arte, solamente poco se puede aprender de ciencias descriptivas. Cuando el artista selecciona qué elementos se deben incluir en la obra de arte futura, esto tiene alguna semejanza con un estudio de caso donde un científico busca en el objeto tales características o estructuras que pudieron repetirse también en otros objetos, así teniendo un interés general. Un propósito similar se puede ver también en el método fenomenológico, donde la blanco está encontrar la "esencia" del objeto.

El acercamiento del estudio normativo armonizaría probablemente con la creación artística mejor que los métodos descriptivos antedichos. Sus fases principales (véase Proceso del estudio normativo) son una descripción evaluativa, análisis, y una propuesta para la mejora. Se repiten todas estas fases hasta que se encuentra una propuesta aceptable. Métodos típicos de análisis se describen en la página Análisis normativo y preparar propuestas.

Si un proyecto de estudio normativo se continúa hasta desarrollo, los métodos llegan a haber más interés para un artista. Especialmente los métodos de desarrollo de productos industriales incluyen a menudo algunas fases de buscar una idea del producto, de mejorarlo con iteración o con maduración e innovación subconscientes de la propuesta, las cuales actividades se asemejan a la creación artística, aunque también sus métodos no están bien sabidos ni documentados.

4. El proceso entero de crear una obra de arte puede ser tomada como un objeto del desarrollo. Dos métodos científicos usuales para desarrollar una actividad son:

• Ingeniería de métodos. Es realizada generalmente por un investigador especialmente empleado, pero es también posible que el trabajador (en este caso, el artista) estudia su propio trabajo y pone a se las preguntas típicas, por ejemplo ¿Cuál es la finalidad de la operación? etc.
• La investigación-acción es un método destinado para mejorar el trabajo de un grupo, pero su principio se pudo también utilizar por un artista que trabaja solo.

5. La presentación de los resultados del estudio artístico se puede incluir elementos del arte y de la ciencia. Algunas combinaciones posibles se dan abajo.

• El informe escrito con ilustraciones, donde el texto da la estructura lógica. Una disposición posible es presentar dos (o más) objetos levemente diversos de lado a lado, y explicar en texto cómo las diferencias influencian el efecto final.
• Hipertexto.
• Conferencia de TV con demostraciones. El énfasis puede alternarse entre texto y retrato.
• Los gráficos de la computadora permiten el presentar un objeto donde la forma varia gradualmente, o tiene formas alternativas. Explicaciones como texto o habla.
• Una exposición u otra presentación de obras de arte que ejemplifican los resultados del proyecto de investigación, junto con explicaciones escritas u orales.
• El taller (workshop) donde usted demuestra y explica cómo una obra de arte se hace, y su público puede intentar imitarle, o sobrepasar su logro si pueden. En otras palabras, el método clásico del amo y aprendiz.

6. Probar unas variantes de la obra como prototipos de la obra final. Hay métodos descriptivos de experimentación y métodos normativos de probar prototipos. En cualquier caso, usted debe continuar el experimento con analizar sus resultados y presentarlos para ser usados para mejorar los trabajos subsecuentes.

7. Comercialización de la obra de arte. El plazo de tiempo que el público experimenta una obra de arte, puede ser muy corto: solamente algunos segundos para un cuadro en una exposición, una o dos horas para una comedia. Tal brevedad de uso eficiente significa que una atracción inmediata será muy importante para tales obras de arte que normalmente se compran sin deliberaciones largas. Un modelo teórico para tal situación de la comercialización está la fórmula popular "AIDA" que define los pasos a la venta exitosa: tiene que despertar en el cliente primero Atención, entonces Interés, el Deseo y finalmente Acción, en otras palabras comprar nuestro producto.

8. Obtener una respuesta (feedback) para la obra de arte que fue creada, desde el público, los críticos o los colegas en el campo del arte. Para recoger opiniones hay métodos probados de entrevista temática y Sistema de respuesta de los clientes.

Antes comenzar a colocar la respuesta, es decir opiniones sobre obras de arte, usted debe observar que las opiniones en sí mismo pueden ser difíciles de descifrar sin alguna información adicional. De interés primario están las expectativas originales de la persona. Las expectativas de un lego son a menudo simples y fáciles satisfacer, mientras que un experto en arte tiene expectativas quizás ostentosas y pocas obras de arte pueden satisfacerlas. Por lo tanto usted debe tratar de registrar al lado de la opinión, también una indicación del nivel de expectativas de la persona, y por supuesto todas esas características de la persona que podría justificar a la opinión.

Trabajo artístico en grupo. Los procedimientos arriba son tan convenientes para un artista que trabaja sólo como para un equipo de artistas. Es fácil incluir aún otros procedimientos científicos en el trabajo artístico de equipo porque ahí todos los bosquejos y propuestas se deben registrar repetidas veces para las discusiones o decisiones comunes, y sigue habiendo el trabajo por lo tanto en un nivel tangible y explícito que se asemeje al trabajo de equipo de científicos. Una posibilidad deberá incluir a un investigador en el grupo de trabajo para la tarea de una operación científica definida tal como una pregunta o un análisis. Tal simbiosis es, de hecho, práctica normal en la producción de los documentares de la TV.”

Bibliografía:

 http://www.uiah.fi/projekti/metodi/233.htm